Muy aplaudido debut de "Habana Compás Dance" en Estados Unidos

Por Leonardo Venta

    "Habana Compás Dance" arrancó fuertes aplausos, cadenciosos movimientos de hombros y pies en los asistentes (los más bailaban en su mente), así como sediciosas lágrimas en algunos rostros de los más de mil espectadores que abarrotaron la floridana Sala Ferguson del Straz Center de Tampa, en el concierto del 22 de abril de 2016 que marcó el exitoso debut en Estados Unidos de esta agrupación que nos llegara directamente desde la capital cubana.

     "Cuba, fusión y pasión", un gran espectáculo de casi dos horas de duración, transitó percusión, cantos, bailes y pantomima con aliento español y africano, creaciones del propio director musical, Eduardo Córdova, así como guaguancó, son, dengue, songo, iyesa y bolero, en explosiones de sensualidad, cadencia, alegría y pasión.

     Desde el comienzo de la velada, la audiencia no podía aguardar a que llegara el final de los números para premiar a los artistas. Aplausos cerrados, algunos con los brazos alzados, irrumpieron en varios momentos de la presentación y el público marcaba el ritmo de los coros batiendo palmas, en una atmósfera acompasadamente fraternal, que hablaba de apego e identidad compartida.

     Músicos y bailarines desperezaron toda una gama de emociones, y, sobre todo, magia. Se consumó el tan ansiado milagro escénico: la compenetración perfecta entre los artistas y los espectadores, que se integraban apasionantemente a cada resuello del espectáculo. Los músicos sacaban vida de los instrumentos, especialmente el percusionista Eduardo Córdova, al tiempo que los bailarines derrochaban sandunga caribeña, con sincronía, beldad y profesionalismo.

     Las doce bailarinas y tres bailarines, de singular atractivo físico, además de danzar interpretaron con maestría y sincronismo disímiles instrumentos de percusión, respaldados por Eduardo Córdova en las tumbas y el djembé, Liliet Rivera en el tambor de siete sonidos, Ahmed Casanova Saint-Ives al piano, Raúl Rodríguez Zamora en los drums, la flautista Sheila del Bosque, Erlán Barzaga en el bajo y el sonriente violinista Julio Valdés.

     Finalizado el concierto, más de mil personas se pusieron de pie para tributar una merecida ovación cerrada a los artistas; entre ellos me encontraba yo, con los lentes empañados por la inefable nostalgia de la patria ausente, mientras los integrantes de "Habana Compás Dance" saludaban, sin poder ocultar su satisfecha desbordante gratitud. Supe que cerradas las cortinas, los artistas se abrazaron y lloraron. No era para menos. Con un espectáculo de primera clase, un estilo muy propio, rebosante de gracia y energía, se acababan de meter a Tampa en el bolsillo.

     "Yo estoy impactada. Se rebasaron las expectativas, es decir, se sobrepasó todo lo que podíamos imaginarnos. Fue mucho más allá... ver los aplausos, las ovaciones de pie. La reacción del público ha sido maravillosa. Ha superado lo que hemos vivido en otros países", nos comentó Liliet Rivera, directora y fundadora de la compañía.

     Si bien, a Eduardo Córdova –figura clave en la fusión de la danza y la percusión en esta compañía– no le sorprendió la gran recepción de los asistentes al Straz Center. "Llevo un tiempo trabajando con el público estadounidense en Cuba. Doy conferencias en los lugares en que actúa la compañía, y he constatado la aceptación de nuestro trabajo de parte de los norteamericanos. Yo sabía que aquí se manifestaría con mayor fuerza".

La "Giselle" del Next Generation Ballet: un anhelo sobre puntas (I)

Por Leonardo Venta

Next Generation Ballet (NGB), que opera en Tampa bajo la dirección artística de Philip Neal y la maître de ballet Ivonne Lemus, estrenará “Giselle”, el más representativo de los ballets románticos, los próximos días 6 y 7 de mayo en la sala Ferguson del Straz Center, con tres funciones que patentizan el crecimiento en prestigio y calidad de esta compañía de danza clásica.

     El rol de Giselle será asumido por Ellie Borick (viernes) y Julia Meister (la noche del sábado), quienes compartirán el partenaire Dominiq Luckie. En tanto, Florrie Geller y Dylan Mc Intyre transmitirán la magia de Giselle y Albrecht la matinée sabatina. Juliette Jones (las veladas del viernes y el sábado) y Savannah Payne (el sábado por la tarde) interpretarán el papel de la Reina de las Willis. En las tres representaciones actuarán Néstor García, como Hilarión, el guardabosque cuyo amor es rechazado por Giselle; Svetlana Datseva en el personaje de Berthe, la madre de la protagonista; Matthew Belopavlovich encarnará al duque de Courtland. Las funciones regulares comenzarán a las 7 p.m., la matinée a las 2 de la tarde.

     Concebido por el poeta Théophile Gautier, el argumento de "Giselle" se inspira en las Lettres de l’Allemagne (Cartas de Alemania) de Heinrich Heine, del siglo XIX, cuya obra poética, henchida de referencias míticas y paisajes fantásticos, sustentó la imaginación creativa del libretista Saint George, así como la de los coreógrafos Coralli y Perrot, y, finalmente, conllevó a la revisión de Marius Petipa. El montaje para NGB realizado por Ivonne Lemus, formada en el Ballet Nacional de Cuba, constituye un reto, entre numerosas razones, porque no existe rol femenino más difícil de interpretar en el vasto repertorio del ballet.

     En la heroína se combinan los dos grandes tipos de bailarinas. En el primer acto, es la campesina terrenal. Sin embargo, desprende un implícito presagio sideral desde el fondo de esa caracterización tan francamente humana. A su vez, tiene que hacer gala de una férrea técnica clásica y un variado prisma de emociones. Atraviesa sentimientos que van desde el amor ingenuo y la dicha compartida a la desilusión, la impotencia, la locura y la muerte.
     En el segundo acto, se transforma en un espíritu alado para perfeccionar la más sublime poesía de la danza. Según el ya fallecido Arnold Haskell, uno de los críticos más substanciales de la danza clásica, existe un fuerte lazo dramático entre el primer y el segundo acto. Giselle, transformada en espectro de los bosques, o willis, supera los obstáculos que le tiende el desamor y la muerte, pero, al mismo tiempo, se debate entre su nueva naturaleza espectral, sujeta a las exigencias de Myrta, la vengativa Reina de las willis, y su inmenso amor por el príncipe Albrecht.

     Calificada de "Escuela Sobresaliente" en 2016 por Youth America Grand Prix, NGB está comprometida con los jóvenes bailarines que abriga en el ascenso de su formación artística y profesional, a través de la instrucción y el entrenamiento especializado. Toda gran labor requiere de un esfuerzo grupal. Lemus, a pesar de su entrañable protagonismo en el montaje de esta obra maestra de la danza universal, no ha estado sola en la preparación del mismo. El ballet master Julio Montano ha contribuido con decisiva entusiasta regularidad a este proyecto. En tanto, a principios de este abril que se nos disipa, la célebre bailarina Xiomara Reyes, que se despidiera del American Ballet Theatre el 27 de mayo de 2015, precisamente con Giselle, su “primer amor”, estuvo una semana en Tampa, junto a su esposo Rinat Imaev, para asesorar el trabajo de los bailarines.

     En este espacio, he recogido impresiones de Ivonne Lemus, alma de este anhelo sobre puntas, así como de Xiomara Reyes y Néstor García, todos formados como bailarines en la Mayor de las Antillas, suelo signado por el talento natural para la música y la danza.

Néstor García, ¿cuál ha sido tu experiencia como Hilarión en el ballet "Giselle"?

Mi Hilarión ha atravesado tres etapas: la primera es la versión de Alicia Alonso para el Ballet Nacional de Cuba. Este Hilarión es bruto, agresivo, inmiscuido y con un gran sentido de pertenencia hacia Giselle. Después tuve la oportunidad de hacerlo en versión de José Antonio Chávez para el Ballet de Camaguey. En esa ocasión el personaje se me presentó, con la ayuda del maestro Fernando Alonso, como alguien que quiere hacer el bien y descubrir al farsante que está tratando de robarle su amor. La tercera etapa viene después de salir de Cuba y tener un entendimiento mucho más profundo del personaje. En esta caracterización, la rudeza es dada por su trabajo como guardabosques y la falta de educación de un hombre común, no por su carácter hostil. El personaje pasa por varias etapas, desde la persona que no entiende quién es este muchacho que está coqueteando con Giselle, hasta el momento en que, cegado por la rabia que le ocasiona el desprecio amoroso, ataca a Albrecht cuchillo en mano. El Hilarión de esta última etapa tiene muchos más matices. La experiencia de Xiomara Reyes y su esposo Rinat Imaev nos nutrió a todos de diferentes puntos de vistas y nuevas formas, más eficientes, para afrontar los retos que nos dictan los personajes de "Giselle".

¿Qué significa para ti representar a un Hilarión más humanizado?

Esta vez tengo la oportunidad de hacer un personaje más real, que reacciona de forma mas creíble a las cosas que le pasan, en vez de estar siempre enojado sin razón aparente. Eso lo hace un personaje más rico histriónicamente e interesante a la hora de interpretarlo.

Néstor, recordamos tu exitosa caracterización del doctor Coppélius con NGB el año pasado. ¿Tienes alguna predilección entre Hilarión y Dr. Coppélius?

Sin duda hay una especie de equilibrio entre Dr. Coppélius e Hilarión, en relación a mi preferencia. Los dos tienen matices muy fuertes en cuanto a actuación. Amor, desengaño e ira son comunes a ambos. Sin embargo, al hacer el personaje de Hilarión tengo la oportunidad de bailar y hacer algunos saltos en el segundo acto, lo cual es siempre gratificante.

(concluirá la semana próxima con los comentarios de Ivonne Lemus y Xiomara Reyes)

"Habana Compás Dance": entrevista a su directora Liliet Rivera Puentes

La compañía "Habana Compás Dance" debutará en Estados Unidos el próximo 22 de abril

Por Leonardo Venta

La Sala Ferguson del Straz Center de Tampa presenta el estreno en Estados Unidos de la compañía "Habana Compás Dance", el viernes, 22 de abril a las 8 p.m.

            Directamente desde la capital cubana, esta agrupación presenta un espectáculo que incluye los ricos ritmos y el fluir de la Mayor de las Antillas, a través de bailes tradicionales y danza moderna como parte de la herencia española y africana que marca lo mejor del ajiaco cultural cubano.

            La agrupación, fundada en 2004 y dirigida por la bailarina y coreógrafa Liliet Rivera Puentes y Eduardo Córdova, como director musical, se ha presentado en numerosos escenarios y programas televisivos en Cuba, así como en Turquía, Corea del Sur, Saint Kitts and Nevis, Chile y México.

            La compañía, integrada por 12 bailarinas, 3 bailarines y un grupo musical compuesto por flauta, bajo, piano, dos percusionistas, drums y voz, ofrece un espectáculo de 1 hora y 40 minutos de duración colmado de energía y sensualidad, y tiene por rasgo distintivo que los bailarines no solamente bailan, sino que trabajan la percusión con cualquier elemento a su alcance: baquetas, castañuelas, tacones, chancletas, claves, chequerés y sillas percutivas.

Saludos, Liliet Rivera. ¿Cómo nace la idea de "Habana Compás Dance"?

"Habana Compás Dance" nace debido a las inquietudes coreográficas que siempre tuve y en 2004 vi la oportunidad de hacer algo diferente, hacer algo con la danza que se diferenciara de lo que ya existía en Cuba.

¿Cuándo y cómo se funda?

Se funda el 25 de marzo del 2004 por 4 jóvenes bailarinas que querían experimentar cosas nuevas en materia de danza. Sabíamos que era un camino arduo, largo y difícil, porque había que partir de cero, pero era nuestro sueño y nos dedicamos a prepararnos para ello, tanto es así que ya cumplimos nuestros primeros 12 años.

Lo primero fue preparar un grupo de 14 muchachas que tenían sólo 13 años, a las cuales les dábamos clases de ballet, danza contemporánea, danza afrocubana y flamenco, con esa base dar paso a lo que somos hoy. Presentamos el proyecto al Ministerio de Cultura, nos lo aprobaron y aquí estamos.

¿Su relación con el Ballet Lizt Alfonso?

Yo tuve una relación con el Ballet Lizt Alfonso como bailarina y coreógrafa de esa compañía, pero el resto de los integrantes fueron jóvenes que formamos nosotros.

¿Por qué el nombre "Habana Compás Dance"?

Siempre nos gustó identificarnos con La Habana, que es de donde somos todos en la compañía, y 'el compás' porque es lo que nos hace diferentes, es decir, siempre está presente en todas las coreografías del espectáculo. En tanto, lo de 'Dance', en inglés, es para efectivamente establecer ese contraste entre los dos idiomas.

¿Cuál es el sello que distingue a esta compañía?

Mezclar la danza con la percusión definitivamente es lo que nos distingue y nos da un sello de originalidad. Nuestros bailarines tienen una preparación integral y además de bailar han aprendido a tocar con maestría disímiles instrumentos de percusión. En "Habana Compás" confluye la esencia de España y África, que son nuestras raíces, y es lo que nos hace diferentes a nosotros los cubanos.

¿La formación de Liliet Rivera Puentes como bailarina y coreógrafa?

Desde los 8 años comencé a recibir clases en sociedades españolas en La Habana, hasta que llegué a formar parte del "Ballet Lizt Alfonso", en el que me preparé como bailarina y coreógrafa para luego emprender el camino hacia lo que realmente siempre quise: tener una propia compañía para experimentar inquietudes como artista.

¿Qué puede decirnos de Eduardo Córdova, su director musical?

De Eduardo Córdova te puedo decir que es un gran artista y maestro. Fue quien nos enseñó a todos la percusión y juntos formamos la idea de este trabajo artístico. Él combina su obra musical con la pintura, la escultura y con nuestra compañía, ya que muchos de los instrumentos con los cuales tocamos son hechos por él, todo lo cual ha permitido que reciba varios premios nacionales e internacionales. Su trabajo intenso, en la formación de todos nosotros y las nuevas generaciones de integrantes de la compañía, ha sido un factor fundamental para poder desarrollar juntos esta gran idea que es la unión de la danza con la percusión.

¿Cómo se llamará el espectáculo que presentarán en Tampa?

Se llamará "Cuba, fusión y pasión".

¿Cómo lo define?

Es un espectáculo único y diferente que desprende gran energía.

¿Quiénes son los músicos que acompañan a los bailarines?

Tenemos músicos regulares que ya llevan más de 5 años con "Habana Compás": tumbas y djembé: Eduardo Córdova Reyes; tambor de siete sonidos: Liliet Rivera Puentes; piano: Ahmed Casanova Saint-Ives;  drums: Raúl Rodríguez Zamora; flauta: Sheila del Bosque Fuentes; bajo: Erlán Barzaga Álvarez; voz: Slitheythe Fernández de Bulnes. En esta oportunidad hemos invitado a Julio Valdés Fuentes, un magnífico violinista y jazzista.

¿Cómo se integra la música a la danza en la presentación que se nos avecina?

La música fue concebida para la danza, aunque hay momentos en que tanto los músicos como las bailarinas tienen su protagonismo. En el caso de las bailarinas, desempeñan un papel muy interesante al poder bailar y tocar a la vez, lo que hemos desarrollado poco a poco y le ha dado un sello a la compañía

¿Cómo se interrelacionan los ritmos en el espectáculo?

Bueno, tenemos ritmos que tienen la influencia española y africana, pero también son creaciones del propio director musical. Asimismo interpretamos guaguancó, son, dengue,  songo y bolero, entre otros.

Se habla de poliritmia en la función que nos ofrecerán...

Trabajamos haciendo ritmos que hacen preguntas y respuestas a través de los diferentes elementos de la música que empleamos. Utilizamos diferentes sonidos con chancletas, palos, tambores, palmadas, percusión corporal, y de esa unión se origina una ritmática fuerte y combinada que llega a ser una policromía original.

¿Relevancia del uso de los tambores batá y djembé?

El dyembé y los tambores batá son netamente de África. Éstos han tenido una gran influencia lo mismo en Europa, donde el Djembé ha tenido una connotación muy interesante, como en América Latina y Cuba. En la Isla, los tambores batá tienen gran importancia, ya que de ellos se desprenden muchos géneros de la música cubana. Nosotros trabajamos, entre otras cosas, para el rescate de esa influencia.

¿La relación entre las figuras masculinas y femeninas?

Siempre pensé en una compañía sólo de mujeres. Sin embargo, poco a poco me fui dando cuenta de que la presencia masculina tiene gran valor en la escena, pero me gusta que predomine la mujer.

¿Cómo se organiza el curso de la función?

Va transitando en una gran energía, a través de la cual el espectador siempre se queda con deseos de ver más. Poco a poco infunde una cadencia llena de sensibilidad y belleza.

¿Cuál es la novedad con el cuadro danzario "Retos"?

Es la típica chancleta cubana que se mezcla con palos y castañuelas, todo se funde en una misma pieza. Además pasa por numerosos ritmos como guaguancó, dengue, iyesa, entre otros.

¿Algún estreno coreográfico especialmente para su presentación en el Straz Center?

Sí. El cuadro bajo el signo del tambor, que son dúos de percusión con un alto nivel de complejidad en su ejecución y que las muchachas lo hacen muy bien.

¿Qué importancia tienen la percusión y la sincronía en sus coreografías?

Mucha, para hacer coreografías que incluyen percusión y hacerlo bien debe haber una sincronización perfecta.

¿Cómo ha evolucionado la compañía desde su fundación?

Hemos ido subiendo escalón por escalón, ganando mucho en experiencia, profesionalismo, y hemos logrado tener un sello que es algo que todo artista quiere lograr. Nos hemos convertido en una gran familia, lo que nos permite hoy día trabajar mejor y más seguros de lo que hacemos.

¿Qué significa para ustedes presentarse en Tampa? ¿Otras plazas en Estados Unidos?

Para nosotros es muy importante. Tampa y Cuba tienen lazos estrechos desde hace años. Allí viven muchos cubanos y es la puerta que nos puede abrir la entrada al mercado estadounidense, el cual le interesa a todo artista. En esta ocasión sólo nos presentaremos en Tampa.

Según asegura el cibersitio del Straz Center for the Performing Arts, “Habana Compás Dance puede ser a ratos alegre, melancólica, efervescente y excitante, porque sorprende y entretiene, en tanto nos trae lo mejor del sincretismo cultural cubano a la escena”. ¿En qué sentido la presentación puede ser melancólica?

Yo creo que en el hecho de que intenta rescatar raíces que no queremos que se pierdan, lograr fusionar lo español con lo africano de una forma única, eso para los que sienten sus raíces, en una u otra de estas culturas, les trae recuerdos de sus antepasados.

¿El mayor  logro de la compañía?

Sin dudas, es el tener bailarines capaces de interpretar música.

¿Unas palabras finales para nuestros lectores?

Agradecer los aportes de todas las personas que han hecho posible, desde el 2004 hasta la fecha, que siga nuestro trabajo. Invitar al público de Tampa y otras ciudades, que quieran llegar al Straz Center el día 22 de abril, a que disfruten de un maravilloso espectáculo, lleno de energía, calor cubano y mucho amor.

"Forever Tango": entrevista a Luis Bravo

Por Leonardo Venta

El guitarrista y violonchelista Luis Bravo, fundador y director del espectáculo "Forever Tango", departe conmigo sobre la función única que presentará su compañía el viernes, 8 de abril en la Sala Ferguson del Straz Center de Tampa, fusión de la música y la composición escénica a través de una forma musical, cantable y bailable, que surgió en los arrabales de Buenos Aires en el siglo XIX, y se ha mantenido hasta nuestros días en el gusto de las audiencias más exigentes alrededor del mundo.

            "Forever Tango" corteja la elegancia con interpretaciones intensas de músicos, bailarinas y bailarines que congenian con la perfección. Varias parejas de baile y una orquesta reducida, en que sobresale el expresivo sonido del bandoneón, instrumento tanguero por excelencia, integran la presentación. Los bailes, que respetan al tango en toda su esencia, son el resultado de la colaboración estrecha entre cada pareja y Luis Bravo.

            El espectáculo se ha presentado en Broadway, desde 1997, además en otros espacios culturales estadounidenses, europeos, asiáticos, australianos, norte y suramericanos. Recibió el lauro al "Mejor musical en gira", otorgado por el Círculo de Críticos de Teatro del área de la bahía de San Francisco, donde impuso récord al estar en cartelera por 92 semanas en "Theatre on the Square" y ha vuelto temporada tras temporada. También fue galardonado con el "Premio simpatía" en el Festival de Spoleto, Italia, en 1996. Asimismo, la producción recibió una nominación a los premios Tony como "Mejor coreografía".

            Dentro de su apretada agenda de trabajo –conciertos, ensayos y numerosos proyectos–, Luis Bravo apartó tiempo para departir con nosotros. Luego de saludarle y agradecerle la amabilidad de concedernos la entrevista, le formulamos una serie de preguntas para compartir con nuestros lectores particularidades de la presentación que se nos avecina.

¿En qué sentido le marca el haber nacido en Añatuya, Santiago de Estereo, una zona rural de Argentina?

Un profundo sentido de arraigo e identidad cultural.

¿Cómo nace Luis Bravo al arte?

Desde muy niño y como consecuencia de la exposición al arte que tuve en el hogar donde me crié. Mis padres fueron maestros y todo lo asociado al arte que venía a mi pueblo pasó por mi casa: la música, el teatro, la pintura y la literatura.

¿Dónde reside actualmente y qué le impulsó a establecerse allí? 

En Lexington, Kentucky. Es un lugar de paisajes increíbles donde puedo aislarme de la intensa vida pública que llevo. Mi gran pasión son los caballos de carrera y radica allí el centro mundial de esta actividad.

He leído que está casado con Marcela Durán, bailarina estelar de su compañía, con quien tiene dos hijas. ¿Cómo surgió este vínculo y que trascendencia ha tenido para usted como artista y hombre?

Fuimos amigos muchos años antes de formar pareja y luego un hogar. Como artista no ha modificado en nada mi carrera. Como persona, es indudable que la concepción de una familia y el advenimiento de los hijos produce una traslación de los ejes y un reacomodamiento de muchas prioridades.

Leí de Kristina Puga, periodista independiente y colaboradora de NBCNews.com, que usted es un hombre serio y de pocas palabras. ¿Cuán certera es esta afirmación?

Me resulta difícil (por no calificarlo de imposible) dar una opinión sobre la certeza y juicio que puedan tener los demás sobre mi persona.

¿Si no hubiera sido artista, que le hubiera gustado ser?

Lo que soy. No hay nada que me “hubiera gustado ser”.

Es cierto que a los 19 años, se convirtió en el primer violoncelista de la Orquesta Sinfónica de Argentina?

Sí, es así. Dos años más tarde emigré a los Estados Unidos a continuar con mis estudios.

¿Por qué dejó de ser ejecutante de conciertos, incluso con la Orquesta Sinfónica de Los Ángeles, para dedicarse a la dirección de un espectáculo bailable?

Quise hacer algo que tuviera que ver y estuviera relacionado con mi cultura e idiosincrasia. Además de músico clásico, también fui músico popular.

¿Cómo surge "Forever Tango"? ¿Cuál es la razón para ese nombre y el calificativo 'forever', en inglés?

"Forever Tango" nace en 1990 y por el simple placer de hacer música con mis colegas y amigos. El título debía resumir en una palabra el concepto de inmortalidad del tango y, por sobre todas las cosas, establecer un mensaje para las generaciones por venir. El final del show está armado sobre la música del tango de Piazzolla “Lo Que Vendrá”.

¿Cuál es la razón para no usar un “calificativo” en inglés? Quien se dedica al arte crea cosas para la gente y el show se iba a presentar en Estados Unidos por tan sólo tres semanas. Pues bien, llevamos 25 años de existencia y más de 8 millones de personas que lo han visto en el mundo. El significado de la palabra “forever” es entendida por todas las culturas y en todas las latitudes.  

¿Cuál es la fórmula para un éxito tan prolongado? ¿Se ha reinventado el espectáculo con el transcurso de los años?

Como la fórmula de la vida: mutar…Han pasado ya tres generaciones de bailarines por "Forever Tango" y muchos de ellos (como muchos otros en el mundo) descubrieron el tango a partir del show.

¿Pudiera describirme el espectáculo?

Un concierto ilustrado. Interpongo entre la música y los espectadores las imágenes de las emociones humanas que me inspira la música. El show es muy simple: música y danza ilustradas con la humanidad de los bailarines.  

Tengo entendido que existen numerosas compañías de tango que recorren el mundo. Asimismo, se habla de la comercialización actual del arte. ¿En qué sentido su agrupación y el espectáculo que dirige se diferencian del resto y honran la autenticidad del tango como género?

¿Qué significa la comercialización del arte? ¿Debo entender que Vincent van Gogh no fue comercial en su época, cuando no pudo vender una sola obra, pero sí ahora? ¿Un artista no merece vivir de su trabajo?

Beethoven rompía los pianos y nadie tocaba sus obras, Schubert murió de inanición, Mahler quedó solo dirigiendo la orquesta en el estreno de su primera Sinfonía por ser considerada una música espantosa y mediocre.

Se convirtieron (como tantos otros) en el siguiente siglo entre los más reconocidos y prolíferos compositores de su época. ¿Se comercializó su arte, entonces?

Con respecto a la comparación de lo que hago con lo que hacen otros, no puedo dar una opinión al respecto, carecería de objetividad y sobre todo de ética moral. Celebro, sí, la iniciativa que haya muchas compañías que den trabajo al artista popular de tango.

Respecto de la autenticidad del tango, no conozco arte que no se haya nutrido de la época en la que transcurrió la vida del artista que lo concibe. Es la expresión de una cultura que se transforma con el paso del tiempo y es lo que lo hace tan fecundo: un arte viviente. 

¿Quién es auténtico: Bardi o Salgán, Laurenz o Filiberto, Pugliese o Gardel? Me parece un error tremendo y un concepto falaz hablar de autenticidad o pureza en el arte.

¿Qué es el tango para Luis Bravo, cómo lo define?

Una cultura, una idiosincrasia, que tiene como expresión artística la música. El baile sobreviene y se gesta como una interpretación corporal de dicha música. Hay varias hipótesis y teorías de cómo se gestó el baile…

¿Está de acuerdo con los que afirman que la habanera y la milonga dieron vida al tango?

Tengo una Tesis de Doctorado en Musicología al respecto, lo cual es imposible desarrollar aquí. Sí, la habanera, la milonga, la canzonetta napolitana, el flamenco, el chamamé, la milonga pampeana, el folklore argentino son todos géneros que aportan y dejan su impronta en el tango.

¿Hay hechizo en el tango?

No asocio al tango con el significado esotérico de la palabra “hechizo”.

¿El éxito más relevante de la compañía, momentos cruciales, alguna anécdota interesante?

Cada temporada en Broadway, Spoleto, San Francisco, Londres, etcétera. Me es imposible resumir tanta vida en este espacio. 

¿Qué duración tiene el espectáculo? ¿Cómo se organiza el ritmo del mismo?

Un hora y media sin intervalos. Desde mi concepción, es como componer música, los contrastes son vitales.

El equipo de "Forever Tango" incluye a Argemira Affonso (vestuario), Luis Bravo

(iluminación ), Mike Miller (sonido), y Jean-Luc Don Vito (maquillaje). ¿Es esta información correcta?

Sí, son diseñadores en las diferentes áreas que convergen en el show. La música tiene varios arreglistas y compositores. Si bien, el primer bandonéon (el Maestro Horacio Romo) oficia de líder de la orquesta cuando se toca, se puede decir que el director musical soy yo.

¿Nombres claves en la función?

Todos

¿Planes?

Envejecer en paz y darles a mis hijas la educación que pude tener yo.

¿Ha estado en Tampa antes?

Varias veces en 25 años.

¿Unas palabras finales para nuestros lectores?

Mi agradecimiento a todos los públicos del mundo que nos acogieron con tanta aceptación y nos han permitido vivir de lo que hacemos. 

La Orquesta de la Florida presenta música de Mozart, Debussy, Fauré y Stravinski

                               Fawzi Haimor debuta con la Orquesta de la Florida

Como parte de la serie "Obras maestras", la Orquesta de la Florida (TFO) ofrece el debut con esta agrupación del director Fawzi Haimor, con la intervención del concertino Jeffrey Multer interpretando el "Concierto para violín núm. 3" de Wolfgang Amadeus Mozart. El programa también incluye "Preludio a la siesta de un fauno" de Debussy y el estreno de TFO de la suite "Dolly, Opus 56",  una colección de piezas para piano a cuatro manos compuesta por el francés Gabriel Fauré. El programa concluye con la suite "El pájaro de Fuego", considerada una de las obras más populares del compositor ruso Igor Stravinski, la cual compuso para el ballet homónimo de Serguéi Diáguilev, fundador de los Ballets Rusos, una compañía de la que emergerían muchos bailarines y coreógrafos mundialmente famosos. Los conciertos se celebrarán el viernes, 15 de abril, en la Sala Morsani del Straz Center; el sábado, 16, en el Mahaffey Theater; y el domingo, 17, en el Ruth Eckerd Hall. Las funciones del viernes y el sábado son a las 8 p.m. El programa del domingo comienza a las 7:30 p.m. Llegue una hora antes para escuchar a los músicos departir acerca de las composiciones y los autores que interpretarán.  

Enduendadas alucinaciones

“Los amantes” (1928), óleo sobre lienzo de René Magritte , 54 x 73 cm, MOMA, Nueva York

Por Leonardo Venta

Traspasa mi cielorraso, asómate a mi terraza, sprich deutsch mit mir. Embiste mis temores y coloca sobre ellos un ala protectora. Conversemos, deshojemos tristezas, develemos fortuitos nebulosos afectos.

Tienta mi jardín, esgrimista del árbol de la ciencia. Asómate a mi lucerna y llama. Insiste, pudiera demorarme en abrirla. Empínate sobre mi azotea para juntos palpar la luna, profanar mi pesimismo shopenhaueriano, mis enduendadas alucinaciones en platónica subrepción. Arropémonos, compartamos cobijas. 

(1.° de abril de 2016)